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INDIVIDUALIDAD, MÚSICA Y LLEWIN DAVIS


Definitivamente me estoy haciendo viejo. Me levanto esta mañana y mientras desayuno miro el twitter. Y me encuentro este artículo en el Confidencial. Ha sido leerlo y me ha recorrido un chorro de indignación por las venas a borbotones. Supongo que me estoy haciendo mayor, hace unos años lo hubiera leído y hubiera dicho: mira qué cantidad de tonterías dice este señor, y hubiera pasado a lo siguiente. Pero cada vez tengo menos paciencia con algunas cosas, sobre todo cuando usamos la ideología como cristal para explicar fenómenos como el deporte o la música, que no tienen nada que ver. Aparte de no contar nada sobre el origen de la palabra hipster, que es bastante más complicado que echarle la culpa al capitalismo…

Sostiene el autor lo siguiente: “el folk era una música horizontal, de todos y para todos, que igual se cantaba en familia que trabajando o en fiestas populares. También, de manera creciente, fue la banda sonora de manifestaciones sindicales o  de la lucha por los derechos civiles. El rock, en cambio, siempre fue  un género individualista, egocéntrico y mitómano, donde lo que prevalece es el aura divina del artista, considerado como un visionario con sensibilidad superior al resto de los mortales”.

En primer lugar, los músicos siempre han sido feroces individualistas, desde la Prehistoria de la música. Renacimiento, barroco, período clásico, romanticismo, música americana (jazz, blues, rock and roll, country, incluso folk), flamenco. Hay una tradición oral en gran parte de la música popular por la propia inercia de no saber leer música y por la transmisión de las tradiciones populares, pero de ahí a “inventarse” que por culpa del “capitalismo” se fomenta la competencia individual…por favor. El barroco por ejemplo es una música concebida para solistas, y el capitalismo no tiene nada que ver en eso. Por otro lado, en el siglo XX los movimientos vanguardistas en la música siempre los han iniciado niños bien de clase media-alta: la movida madrileña, por ejemplo, o el punk son creaciones de la juventud burguesa acomodada. Eso no tiene nada de nuevo. El autor demuestra que no ha entendido nada de la conversación entre Joel y Ethan que transcribe: simplemente no importa si es country o no, los Byrds son muy buenos músicos y ESO es lo que importa, no si mola o no. Y a los propios músicos, desde luego que sí, no les importa una mierda. Las etiquetas les importan a todos, menos a los músicos.

No existe “la lucha entre un enfoque comunitario de la música y una mirada basada en el genio individual”. Ha existido la lucha entre la música como algo accesible sólo a los músicos, entendidos como aquellas personas que estudian y practican duramente para alcanzar un nivel técnico y artístico, por un lado; y por otro, entre aquellos que veían la música como una forma de expresión que no requería de un esfuerzo especial para tocar y cantar. Ejemplo de esto último es el folk, pero también el grunge o el punk. No hace falta saber tocar “bien”, sino solamente expresarse de una forma auténtica. Cualquiera puede ser músico bajo su punto de vista. Sid Vicious no sabía tocar el bajo, de hecho en el primer disco de Sex Pistols no lo toca él. Las canciones pueden ser muy sencillas y tener sólo dos o tres acordes. Pero eso no tiene nada que ver con luchas entre enfoques comunitarios e individualismo.

A Dylan se le ha criticado, antes y después de su transición a la guitarra eléctrica, por ser un pésimo intérprete, en el sentido de tener una muy pobre técnica con la guitarra. Y sin embargo al mismo tiempo se le ha alabado por ser un excelente compositor de grandes canciones, pero curiosamente “mejor” interpretadas por otros músicos, que se hicieron famosos con sus canciones (Jimmy Hendrix con All along the watchover o los Rolling Stones con Like a rolling stone). Hay otros ejemplos, como Ornette Coleman, músico de jazz al que llegaron a pagar para que no tocara, y que sin embargo salió adelante económicamente vendiendo sus composiciones. Por otra parte, en la música del siglo XX siempre ha existido una lucha entre técnica y expresión. En el jazz de los años 30, había claramente dos estilos en el saxo tenor (el instrumento rey junto con la trompeta en esos días): estaba el estilo más técnico y potente de Coleman Hawkins, y el más expresionista y lírico de Lester Young. En los años 80, en el heavy metal existió el shred, estilo obsesionado por la técnica y con influencia clásica (Yngwie Malmsteen, Sebastian Bach, Vinnie Moore, Randy Rhoads), donde muchas veces el medio (la técnica) se convertía en un fin en sí mismo. Ese mismo fenómeno ocurrió en los años 40 con pianistas como Phineas Newborn en el ámbito del jazz. 

el saxofonista Lester Young

El saxofonista Lester Young

Esa pulsión sí que es algo real y no un presunto “giro al infierno” del folk como cultura igualitaria hacia el capitalismo despiadado, y un “clima cultural cada vez más escorado a la derecha”. El que Dylan utilizara la guitarra eléctrica no tenía nada que ver con un presunto giro al capitalismo. Como dijo Joachim Berendt: “Cuando Dylan se presentó por primera vez en el Festival de Newport con acompañamiento eléctricamente amplificado, hubo una tormenta de protestas entre sus seguidores. Pero tres años más tarde, en 1968, grabó su álbum “John Wesley Harding” con guitarra acústica y la armónica del folk blues, y manifestó así, en el aspecto programático, que en la conciencia de todos sus seguidores tenía que penetrar la idea de dónde reconocía él mismo su origen musical y espiritual. Esta idea efectivamente penetró en la conciencia general”. Se trata simplemente de evolución musical, algo no solamente legítimo, sino necesario. Las personas cambiamos, somos diferentes con el paso del tiempo y así la música, como expresión de nosotros mismos y de nuestra experiencia vital, debe evolucionar también. Cuando la música de Count Basie tuvo un éxito mundial por los años cincuenta, se le pidió a Lester Young —el solista más destacado de la vieja orquesta de Basie— tocar en un grupo de músicos que habían pertenecido a esta orquesta y reconstruir el estilo de los años treintas para un álbum de discos.”No puedo hacerlo —dijo Lester—. Yo ya no toco así. Toco de otra manera; vivo de otra manera. Ahora es más tarde; aquello era entonces. Nosotros cambiamos,nos movemos.”

RHCP

Existe también la lucha entre el artista en su torre de marfil y el que se guía por lo que le gusta al público, el que se considera la esencia del arte puro y quien gusta de ser admirado y llegar al máximo número de personas. Esa es otra tensión en la historia de la música de todos los tiempos, y común a otras formas de arte, como el teatro y el cine. Es un tema que merece por sí otro artículo. Solamente decir que a veces el elitista o vanguardista es cogido por el mainstream y pasa como a los Red Hot Chili Peppers, que en uno de sus primeros discos tenían una canción en la que suplican que les pongan en la MTV de rodillas, y prometen en la letra a David Letterman que se comportarán como perfectos caballeros. Hay que tener cuidado con los deseos, que al final se cumplen…

La música, con mayúsculas, como expresión artística, es un producto de personas individualistas, egocéntricas y mitómanas, tal y como define el autor al rock. Porque es el resultado de expresar experiencias personales y sentimientos. No existe la música “colectiva”. Existe la interpretación colectiva y la composición para grupos de música, o la creación del conjunto. Y la ideología no tiene nada que ver con esto.

Ah y feliz año nuevo!

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